Si hay algo que caracteriza la obra de Ramón Vázquez Molezún es la creatividad, el riesgo, la emoción. Su obra, vital y optimista, fue innovadora y absolutamente personal, y el origen de todo ello habría que buscarlo en algo tan prosaico como una moto. Siendo pensionado en Roma a principios de los años 50, Molezún adquiere una Lambretta C125 que transforma y adapta completamente hasta apropiarse de ella y convertirla en una verdadera casa a cuestas y perfecta compañera en su viaje por Europa. Un vehículo que le permitió una movilidad e independencia reflejos de su inquieto carácter vitalista y artístico en formación, convirtiéndose en un objeto imprescindible, lleno de significados, que Molezún fotografió insistentemente junto a los hermosos paisajes y edificios que visitó durante los más de 100.000 km recorridos en este gran viaje. La moto se desvela en Molezún como mucho más que un rápido y barato medio de transporte; se descubre como campo de prácticas y transformaciones del futuro arquitecto. Mente y manos unidas en el trabajo; simbiosis de arquitecto y artesano. Un viaje de vida que empieza en tierra sobre una moto en Roma y acaba sobre un barco, su dorna, en el mar de Bueu. If there is something that characterizes the work of Ramón Vázquez Molezún it is creativity, risk, emotion. This work, vital and optimistic, was innovative and absolutely personal, and the origin of all this should be sought in something as prosaic as a motorbike. As a pensioner in Rome in the early 1950s, Molezún acquired a Lambretta C125 which he transformed and adapted completely until appropriated it and turned it into a real house on his back and a perfect companion on his journey through Europe. A vehicle that allowed him mobility and independence that reflected his restless vitalist and artistic character in formation, becoming an indispensable object, full of meaning, that Molezún photographed insistently alongside the beautiful landscapes and buildings that he visited during the more than 100.00 km he travelled on his great journey. The motorbike is revealed in Molezún as much more than a fast and cheap means of transport; it is discovered as the driving range and transformations of the future architect. Mind and hands united in work; symbiosis of architect and craftsman. A journey of life that begins on land on a motorbike in Rome and ends on a boat, his dorn, in the Bueu Sea.

La modernidad más canónica impuso una concepción del espacio fluida, extensiva e impersonal, al margen del habitante y con el objetivo final de crear un objeto estética y funcionalmente ensimismado. No necesitaba ni referencias externas, ni validaciones del usuario. A partir de los años 50, Louis Kahn explorará un nuevo tipo de espacio en el que la materia, la estructura y la luz están íntimamente relacionados y son los elementos para crear un espacio humanizado, con el usuario en el centro de su quehacer. El proceso de proyecto de Kahn sigue una secuencia en la que la materia crea el muro que va disolviéndose en columnas entre las cuales se introduce la luz para hacer del espacio interior un mundo habitable y, por ende, humano. Ese mismo proceso aplicará también al interior de los elementos estructurales, que en sí mismo acabarán siendo contenedores de espacios, en una relectura moderna del poché clásico. Estructura y espacio están de este modo indisolublemente asociados, superando la canónica premisa de la ortodoxia moderna por la cual la estructura, el cerramiento y el espacio eran categorías independientes. Canonical Modernism imposed a fluid, extensive and impersonal conception of space, indepedent of the inhabitant and with the final objective of creating an aesthetically and functionally self-absorbed object. Needed neither external references nor user validations. Starting in the 1950s, Louis Kahn will explore a new type of space in which matter, structure and light are closely related and are the elements to create a humanized space, with the user at the center of his work. Kahn’s project process follows a sequence in which matter creates the wall, which dissolves into columns between which light is introduced to make interior space a inhabitable, and therefore human, world. This same process will also apply to the interior of the structural elements, which in themselves will end up being containers of spaces, in a modern re-reading of classic poché. Structure and space are thus inextricably associated, overcoming the canonical premise of modern orthodoxy whereby structure, enclosure, and space were independent categories.

La revista holandesa de 8 en Opbouw, heredera de i10 fue, desde su creación en 1932 hasta su desaparición por causas políticas en 1943, uno de los últimos reductos de la Neues Bauen. Integrada por los grupos holandeses de 8 y OPBOUW, se mantuvo siempre atenta a las experiencias que se estaban desarrollando en otros países, especialmente la Francia de Le Corbusier, Alemania, la Unión Soviética o Estados Unidos. Por esta razón, acogieron con grandísimo interés las nuevas teorías de reforma de la vida y la necesidad de revisar los modelos de la ciudad decimonónica, entre otros muchos temas. Este trabajo se centra precisamente en la búsqueda de artículos referidos a los espacios verdes o a la necesidad de vida al aire libre descubriendo, no solo la urgencia con que demandaron políticas de higiene y zonas verdes, sino, sobre todo a partir de 1938, muchos proyectos de un altísimo interés paisajístico y urbano, que bebían de propuestas alemanas de los años 20 y de la Nueva Objetividad. Mención ineludible merecen los proyectos del Ámsterdam Bosch, el Plan Verde para Rotterdam o decenas de proyectos de dotaciones para baños públicos, piscinas o escuelas que se presentan. Dutch Magazine de 8 en Opbouw, heir of i10 was from its beginnings in 1932, to its disappearance in 1943 for political reasons, one of the last refuge for the Neues Bauen. It was formed by two previous groups from Amsterdam and Rotterdam, de 8 and OPBOUW. The magazine was always vigilant of every experience coming from France, Germany, the URSS or the USA. They took on enthusiastically new theories about Lebensreform, and the necessity for redesigning the Nineteenth Century city. This work seeks for articles focused or related in some way to green areas or “Outdoor life” encouragement. We’ll discover how dramatic was their claim for public policies in hygienic improvements and new green areas necessity. We’ll also discover, specially from 1938, high urban and landscaping value projects, inspired from the german 20’s and the New Objectivity experiences, as the Amsterdam Bosch, Rotterdam Green Plan or several sports, bath and swimming complex or new schools.

El origen etimológico de la palabra habitar proviene del latín habitare, frecuentativo de habere, “tener o poseer reiteradamente” y su significado indica el “hábito” de permanecer en un lugar. Desde el inicio de las primeras revoluciones industriales, la tecnología aumentó el movimiento de las personas, reduciendo la permanencia en el espacio. Estas nuevas circunstancias han afectado a las relaciones interpersonales y al concepto de hogar. En esta nueva era, la ubicuidad que otorga la digitalización de pertenencias y procesos permite que desde la vivienda se puedan realizar actividades antes inimaginables, la compra de todo tipo de productos, el teletrabajo, impartir o recibir docencia, y también la posibilidad de hacerlo desde cualquier otro sitio del mundo. Consecuencia de esto, surgen nuevos espacios domésticos, los modelos colaborativos Cohousing y Coliving, que aparecen para dar respuesta a nuevos perfiles sociales, como son el habitante y el nómada digital. La limitación de la movilidad a escala global, producida por el COVID-19, ha evidenciado la sostenibilidad de estos nuevos modelos colaborativos. Ante esta realidad, se hace necesaria su revisión en pro de la calidad de vida de sus usuarios, que resulta vinculada a la reconexión con el entorno y la interacción con una comunidad. The etymological origin of the word inhabit comes from the Latin habitare, frequentative of habere, “to have or possess repeatedly” and its meaning indicates the “habit” of staying in a place. From the beginning of the first industrial revolutions, technology increased the movements of individuals, reducing the permanence in space. These new circumstances have affected interpersonal relationships and the concept of home. In this new era, the ubiquity afforded by the digitization of belongings and processes, allows previously unimaginable activities to be carried out from the home, the purchase of all kinds of products, telecommuting, providing or receiving teaching, and also the possibility of doing so from anywhere else in the world. As a result of this, new domestic spaces emerge, the collaborative models Cohousing and Coliving, which appear to respond to new social profiles, such as the inhabitant and the digital nomad. The global mobility limitation, produced by the COVID-19, has evidenced the true sustainability of these new collaborative models. Given this reality, it is necessary to review it in support of the quality of life of its users, which is linked to reconnection with the environment and the consolidation of its community.

La investigación parte de la premisa de que la arquitectura tradicional japonesa ha jugado un importante papel en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa, especialmente en la de carácter doméstico. Se pretende sintetizar este hecho, ampliamente estudiado en Estados Unidos debido a la obra de Frank Lloyd Wright, si bien, sólo parcialmente analizado en Europa, sobre todo durante la segunda mitad del siglo XX y en lo relativo a los países nórdicos. ¿De qué manera los arquitectos nórdicos encontraron inspiración en Oriente? ¿Qué les atrajo de su cultura tectónica? ¿Cómo aplicaron la estética nipona a sus diseños? Mientras que en ocasiones sólo se utilizaron elementos formales, sin mayor profundidad, en otros casos, los principios rectores de dicho orientalismo, de la arquitectura sukiya o la Villa Katsura como referente, enriquecieron proyectos de arquitectura doméstica de Jørn Utzon, Halldor Gunnløgsson, Arne Korsmo o Sverre Fehn, entre otros; protagonistas de una corriente de “sincretismo oriental moderno”, deudora de la visión de los pioneros centroeuropeos que visitaron Japón, del magisterio de Erik Gunnar Asplund y, sobre todo, del legado de Tetsuro Yoshida. The research starts from the idea that traditional Japanese architecture has played an important role in the development of modern architecture in Europe, especially in the case of domestic architecture. The objective is to summarize this fact, widely studied in the United States due to the work of Frank Lloyd Wright. However, this fact has only been partially analysed about Europe, especially during the second half of the 20th century and in relation to the Nordic countries. How did Nordic architects find inspiration in the East? What drew them to your tectonic culture? How did they apply the Japanese aesthetic to their own designs? While sometimes only formal elements were used, without much more depth, in other cases, the principles of Orientalism, Sukiya architecture or the Villa Katsura as a reference, enriched domestic architecture designs. Such is the case of Jørn Utzon, Halldor Gunnløgsson, Arne Korsmo or Sverre Fehn, among others; who were the leaders of a current of modern Eastern syncretism, which owes its origins to the vision of the Central European pioneers who visited Japan, to the influence of Erik Gunnar Asplund and, above all, to the legacy of Tetsuro Yoshida.

La irrupción de la COVID-19 en una sociedad que Toyo Ito define como “digital y abierta de limites difusos”, ha provocado una reacción inmunitaria opuesta de precisas fronteras sin que por ello se haya dejado de estar hiperconectados. Esta cohabitación de lo viral y lo neuronal, utilizando términos empleados por Chul Han para definir estos extremos, solo puede encontrar acomodo en una estructura de realidad hibrida que podríamos denominar paradigma paradójico. “Menos es más” fue el oxímoron que definió la arquitectura moderna, un binomio plausible de términos antagónicos, presente en muchas de las expresiones forzadas que fundamentaron las profundas transformaciones que renovaron la cultura del siglo XX. Un periodo convulso y contradictorio donde incertidumbre y miedo lo emparentan con la actual pandemia que nos azota. Entender este mecanismo radical y productivo abre otros caminos para redefinir las nuevas formas de habitar en contextos indeterminados y vulnerables como nos esperan en la era postCOVID. Desde la crisis del modelo de alta densidad de la ciudad actual hasta el manejo de los espacios de confinamiento y distanciamiento que configuraran la vivienda en esta dualidad de agrupaciones de habitaciones autónomas, términos como COaVitación, centrar-descentrar espacios educativos y sociosanitarios, serán, en suma, relaciones de opuestos que marquen esta arquitectura paradójica en sintonía con la nueva normalidad. The emergence of COVID-19 in a digital and open society with fuzzy limits, as Toyo Ito indicates has caused an immune reaction of the opposite sign with precise closings, without ceasing to be hyperconnected. This cohabitation of the viral and the neuronal in the words of Byung-Chul Han can only find accommodation in a hybrid reality structure that we could call the paradoxical paradigm. “Less is more” was the oxymoron that defined modern architecture, a binomial of plausible opposite terms, and present in many of the implausible expressions that founded the profound transformations that renewed the culture of the 20th century. A convulsive and contradictory period where uncertainty and fear are related to the current pandemic. Understanding this radical and productive mechanism opens other ways to redefine the new ways of living in indeterminate and vulnerable contexts such as those that await us in the postCOVID era. From the crisis of the high-density model of the current city to the management of the confinement and distancing spaces that configure housing as a duality of autonomous room groups, COaVitation, center-decentralization mechanisms in educational and socio-sanitary spaces, in summary, relations of opposites in a paradoxical architecture consistent with the new normality.

En este artículo se analizan sendas alteraciones de la regularidad general apreciadas en los edificios del Centro Nacional de Investigaciones Metalúrgicas (CENIM, 1963) y en el Centro de Cálculo de la antigua Caja Postal de Ahorros (1975) de Alejandro de la Sota. Ambas dan respuesta a aspectos prácticos de su organización, pero a la vez comportan aspectos de significado en cuanto a que se corresponden con la manera de solucionar la relación entre partes heterogéneas dentro de un mismo proyecto. Se incluyen en un mismo estudio ya que se pueden establecer entre ellas aspectos comunes asociados a desplazamientos y solapes entre partes de la trama que no parecen encontrarse en otros proyectos también utilitarios y relativos a programas de trabajo en la obra de De la Sota. Como se indica en anotación al texto ha sido preciso un examen amplio de la composición entre partes fundamentales de otros edificios de programas semejantes para apreciar la singularidad real existente en los aquí considerados. Las particularidades de cada una han invitado a un análisis detenido que nos revela sus aportaciones y el carácter de los espacios por ellas generados. This article analyzes two alterations of the general order included respectively in the buildings of the National Center for Metallurgical Research (CENIM, 1963) and in the Calculation Center of the former Savings Bank Postal (1975) by Alejandro de la Sota. Both respond to practical aspects of their organization, but at the same time they involve aspects of meaning regarding the relationship of heterogeneous parts within the same project. They are included in the same study since they can establish common aspects differentiated from the rest of the projects, also utilitarian and related to work programs in De la Sota’s work. These aspects are especially linked to effects on the regularity of their project nettings. As indicated in annotation to the text –although its discussion has not been addressed within it because it exceeds the available space– a comprehensive examination of the composition between fundamental parts of other buildings of similar programs has been necessary to appreciate the real uniqueness existing in the here considered. The particularities of each one has invited a careful analysis that reveals their contributions to the total composition and the character of the spaces by them generated.

El presente texto investiga un aspecto singular dentro de la ya sólidamente estudiada vinculación entre la propuesta arquitectónica de Rem Koolhaas y el surrealismo con claras conexiones con el automatismo, la deformación onírica o la locura. En este caso nos centraremos en analizar cómo Koolhaas utiliza también la metodología paranoico-crítica desarrollada por Salvador Dalí para reflexionar sobre dos de los grandes maestros de la arquitectura del siglo XX, Le Corbusier y Mies van der Rohe. Se pretende descubrir que este análisis, al igual que hiciera Dalí con Velázquez, Vermeer o Rafael, le permite al arquitecto holandés considerar la posición de estos maestros, retroactivamente necesaria para justificar su propia presencia en el devenir del pensamiento arquitectónico contemporáneo y cómo, además, esta fricción intelectual alimenta importantes ejemplos de la obra construida de OMA. The text investigates a singular aspect within the already solidly studied link between Rem Koolhaas’ architectural proposal and surrealism, with clear connections to automatism, dreamlike deformation or madness. In this case we will focus on analyzing how Koolhaas also uses the paranoid-critical methodology developed by Salvador Dalí, to reflect on two of the great masters of architecture of the 20th century, Le Corbusier and Mies van der Rohe, and how this analysis, as Dalí’s work with Velázquez, Vermeer or Rafael, allows the Dutch architect to consider the position of these masters, retroactively necessary to justify his own presence in the evolution of contemporary architectural thought and, furthermore, this intellectual friction feeds important examples of OMA’s built work.

A pesar de su escala y reducido presupuesto, la Villa Dall’Ava, concebida y construida entre 1984 y 1991 constituye un verdadero crisol de experiencias y de exploraciones, no sólo relacionadas con el espacio doméstico, sino también con otras nociones que se integrarán en proyectos de mayor escala como “territorio”, “paisaje” o “estructura”. A tenor de su posición en el nivel de planta baja, la cocina aparece como un elemento aislado, segregado. Sin embargo, una vez activada a través de los rituales diarios cotidianos, nos percatamos de su hiperconectividad. Es a la vez un espacio de uso y de transición, dotado de una condición estática y dinámica que adquiere verdadero valor al comprobar que ese mismo estatus se reproduce en otras viviendas, a pesar de una definición formal completamente diferente. Este artículo trabaja con dos herramientas. La primera, la documentación original del proyecto perteneciente al archivo O.M.A. Rotterdam. La segunda, el dibujo, dejando la palabra en un segundo plano, minimizando su presencia. Queremos proponer una reflexión que vaya más allá del tema concreto y que trate de desarrollar mecanismos de investigación, comprensión y discusión al interior de nuestra disciplina, y que nos permitan aprovechar nuestra formación intrínseca como arquitectos diseñadores. Despite its scale and restrained budget, Villa Dall’Ava, conceived and built between 1984 and 1991, constitutes a melting pot of experiences and explorations, not only related to the domestic space, but also to other notions that will be integrated into larger scale projects such as “territory”, “landscape” or “structure”. According to its position in the ground floor level, the kitchen appears to be an isolated, segregated element. However, once activated through daily domestic rituals, we become aware of its hyper-connectivity. It is both a place to rest and to go through. This double condition, static and dynamic, acquires real value when we are able to check that this same status is reproduced in other houses, despite a completely different formal definition. This article works with two tools. The first one, the original documentation of the project belonging to the O.M.A. archive in Rotterdam. The second one, drawing, leaving words aside, minimizing its presence. We want to propose a reflection that, beyond the specific theme, tries to develop mechanisms for researching, understanding and discussing inside our discipline, allowing us to take full advantage of our intrinsic training as designer architects.

Las luces del fuego de la razón provocada por la Ilustración harán necesario la creación de una nueva tipología para la reunión. Su calor propiciará la aparición de nuevas común-unidades de poder en la Inglaterra de la Revolución Industrial. Los Gentlemen’s clubs, o Clubs de caballeros, con sus diferentes temáticas necesitarán un soporte arquitectónico donde poder escenificar sus postulados y actividades. Este modelo será exportado a las colonias con sus respectivas adaptaciones. Nueva York será un nodo de atracción donde desembarcarán todos estos nuevos modelos. El movimiento revolucionario ruso de la segunda década del siglo pasado recurrirá a un lenguaje propagandístico y provocador mediante agrupaciones de términos hasta ese momento antagónicos como los Rabochiy klubs, o Clubs de trabajadores. Una paradoja semántica en la voluntad de apropiarse de estos lugares propios de la nueva burguesía para ser ocupados por los nuevos postulados ideológicos de la denominada cultura del proletariado; y dando como resultado una nueva tipología para la común-unidad. The lights of the reason’s fire caused by the Enlightenment will make it necessary to create a new typology for the meeting. Its heat will lead to the appearance of new common-units of power in the English Industrial Revolution. Gentlemen’s clubs, with their different themes, will need an architectural support where they can stage their postulates and activities. This model will be exported to the colonies with their respective adaptations. New York will be a node of attraction where all these new models. The Russian revolutionary movement of the second decade of the last century will resort to a propagandistic and provocative language by means of groups of terms that were antagonistic until that moment, such as the Rabochiy klubs, or Workers’ Clubs. A semantic paradox in the will to appropriate these places proper to the new bourgeoisie to be occupied by the new ideological postulates of the so-called culture of the proletariat; and resulting in a new typology for the common-unity.

Este artículo saca a la luz el inédito primer proyecto de PLOT, una propuesta no realizada para una plataforma web de diseño colaborativo en línea titulada Information Technology and Architecture. Su estudio revela los principios teóricos que los fundadores de esta oficina, Bjarke Ingels y Julien de Smedt, establecieron en 2001 para una arquitectura pensada para la era de la World Wide Web, desde el entendimiento del proyecto arquitectónico como un dispositivo relacional hasta su condición global. Vistos en perspectiva, dichos principios parecen haber enmarcado las intenciones y lógicas subyacentes a muchas de las obras realizadas por ambos arquitectos después de la disolución de PLOT en el año 2006. En particular, los planteamientos de la embrionaria plataforma web se manifiestan con nitidez en Superkilen, un proyecto de regeneración urbana construido por BIG en 2013 y que resultó de la congregación en Copenhague de un centenar de objetos de mobiliario urbano procedentes de todo el planeta. This paper sheds light on PLOT’s first project: Information Technology and Architecture, an unpublished proposal for a web-based design platform. The study of the project brings to the fore the theoretical principles that the founders of PLOT, Bjarke Ingels and Julien de Smedt, associated with an architecture conceived for the age of the World Wide Web, including the definition of design as a relational device or the acknowledgement of its global condition. In hindsight, much of the work produced by both architects after the dissolution of PLOT in 2006 seems to respond to such principles. In particular, the logics of Information Technology and Architecture resonate with Superkilen, the public park built in 2013 by BIG as a compilation in Copenhagen of a hundred objects from all around the world.

Frente al objeto terminado, Zoelly se decanta por lo incompleto, por lo fragmentario. Al mostrar tan solo una parte y un momento de la obra se sumerge de lleno en una estética del fragmento, que carga de posibilidades lo mostrado, escondiendo el final, pero abriendo la obra a infinitas interpretaciones. Como si fuese una ruina inversa, Zoelly pretende, a partir de la evocación, mostrar su confianza en que la arquitectura tiene un sentido mucho más allá de la mera funcionalidad. La casa se presenta como enigma: símbolo de algo que no se sabe qué es pero que está cargado de necesidad. A través del análisis del modo de presentación elegido por Pierre Zoelly para mostrar su obra en Elements of an architect’s language y de la propia casa de Hächler se indaga en las razones y el pensamiento que llevaron a Zoelly a presentar su obra inacabada, y en las relaciones que se tejen entre arquitecto y escultor gracias, precisamente, a esa visión fragmentaria. Se pondrá de manifiesto el valor del fragmento como clave del diálogo, y se presentará una manera de entender la arquitectura en la que lo importante es la visión parcial. Instead of the finished object, Zoelly opts for the incomplete, for the fragmentary. By showing only a part and a moment of the building, he works with the aesthetic of the fragment, which it’s full of different possibilities, hiding the end, but opening the object to infinite interpretations. As if it were a reverse ruin, Zoelly tries, from the evocation, to show that architecture has a meaning beyond mere functionality. The house is presented as an enigma: a symbol of something that is not known but it exists. Through the analysis of the mode of presentation chosen by Pierre Zoelly to show his work in Elements of an architect’s language and in the Hächler’s house, the reasons and thoughts that led Zoelly to present his unfinished work are investigated, and also the links that are woven between architect and sculptor because of that fragmentary vision. The value of the fragment as a key to dialogue will be revealed, and a way of understanding architecture will be presented in which the important thing is the partial vision.

La definición de sitio eriazo ha sido discutida en ámbitos urbanos y arquitectónicos, vistos como remanentes que pertenecen a la trama urbana, pero a su vez, son tangenciales a esa dinámica, el tiempo de desarrollo proyectual en estos vacíos urbanos –forma y programa–, pueden ser indefinidos para su concreción. A su vez, el sitio eriazo –sin uso ni construcción–, suele ser un espacio clausurado en su perímetro que convive con la cotidiana y constante mutación de la ciudad, por lo cual ha sido objeto de variadas intervenciones que buscan integrarlos urbanamente para el goce de la ciudadanía. El presente texto se centrará en discutir intervenciones en sitios eriazos desde su carácter permanente, efímero y temporal en contraste con los actuales proyectos políticos de plazas de bolsillo en la ciudad de Santiago de Chile. De esta manera, el rol del sitio eriazo se entiende como una oportunidad de espacio público desde su afectación multiescalar –local a metropolitana–, las posibilidades para su implementación podrían reducir la desigualdad en la distribución de los espacios públicos en ciudades consolidadas. The definition of vacant land has been discussed in urban and architectural spheres, seen as remnants that belong to the urban fabric and at the same time, tangential to this dynamic, the development time in these urban voids –form and program–, can be undefined for its concretion. In turn, the vacant land –without use or construction–, usually is a space closed on its perimeter that coexists with the daily and constant mutation of the city, therefore it has been the subject of various interventions that aim to integrate them urbanly to the enjoyment of citizenship. The discussion will focus on interventions in vacant land from their permanent, ephemeral, and temporary nature in contrast to the current political projects of pocket parks in the city of Santiago de Chile. Finally, the role of the vacant land is understood as a public space opportunity in its multiscale affectation –local to metropolitan–, the possibilities to its implementation could reduce the inequality distribution of public spaces in consolidated cities.

La devastación de conjuntos arquitectónicos completos era frecuente en el centro de Río de Janeiro en los años 70. Esas transformaciones traumáticas del entorno construido han provocado el desvanecimiento de la memoria urbana. Las ciudades son un tema recurrente en el entorno de la fotografía, instrumento potente para recordar el pasado. Sin embargo, los libros fotográficos raramente son utilizados como fuente de conocimiento acerca de las ciudades y como medio para rescatar memorias urbanas borradas. El estudio del libro fotográfico Rio que desaparece (1993), de Claudio Bruni Sakraischik, nos ha permitido ahondar en el potencial de este género bibliográfico. El objetivo era constatar cómo ha podido contribuir a impedir el desvanecimiento de la memoria urbana. Sakraischik registró el proceso de transformación urbana de Río en los años 70, mientras se implantaba el metro. La publicación va más allá del plano iconográfico de sus fotografías incorporando textos acerca del desvanecimiento de la memoria, de la historia de la ciudad y la biografía y escritos de Sakraischik. El libro ofrece puntos de partida para acceder a aquel entorno construido y a sus ejemplares arquitectónicos demolidos. Devastations of architectural ensemble had often taken place in Rio de Janeiro’s Historic Center until the end of the 1970s. These traumatic transformations of the built environment erased urban memory, which undermined social groups’ resistance against unwanted projects. Cities are often the subject of photography, which is a powerful instrument to remember the past. Despite that, photographic books are rarely picked as sources of knowledge about cities and means to recover erased urban memories. In this sense, this work has studied the case of Claudio Bruni Sakraischik’s Rio que desaparece (1993) (“Vanishing Rio”) book to highlight this bibliographic genre potential. Its main goal is to verify whether the book could contribute to the urban memory erasure’s resistance. Sakraischik registered the transformation process by which Rio de Janeiro had been through in the 1970s as the City Hall implemented the subway system. The publication was analyzed beyond its photographs’ iconographic planes, articulating texts about the urban memory erasure, with other texts on the city history and the author’s writings and biography. It was verified that this photographic book provides starting points from which it is possible to access and reinforce memories regarding the built environment and its demolished architectural examples